miércoles, 31 de mayo de 2017

El Nacimiento De Venus (Botticelli)


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El nacimiento de Venus (Botticelli)


El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere) es una pintura de Sandro Botticelli (1445-1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278,5 centímetros de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.

Fuentes:
Las fuentes literarias de esta obra son Las metamorfosis de Ovidio y Angelo Poliziano. Además, existía en la Florencia de la época el recuerdo de una pintura legendaria del griego Apeles, titulada precisamente Nacimiento de Venus y que Poliziano describe en una poesía.
Según cuenta la leyenda, Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Saturno y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.
Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones. El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología, común a muchos artistas del Renacimiento.
Una ninfa espera a la diosa en la playa para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se trata, específicamente, de Primavera. Lleva un traje floreado; es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.

La Lechera


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            LA LECHERA




La lechera (en neerlandés: Het melkmeisje o también De keukenmeid o De melkmeid) es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, cuya datación, como casi toda la obra de Vermeer, solo puede ser aproximada. Se trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones, custodiado en el Rijksmuseum de Ámsterdam.



Analisis: 
Esta pintura consigue unir de un modo magistral dos conceptos que en principio parecen antagónicos: una sensación de monumentalidad y un gran sosiego. La criada se encuentra en su universo particular, en un interior casi desnudo, con la presencia de unos pocos objetos sencillos. El gesto inmortalizado por Vermeer tiene algo de estatua antigua. Está de pie, bañada en luz. El pintor ha utilizado sus colores: el azul (realizado con un pigmento, el azul de ultramar, derivado del lapislázuli),1 y el amarillo, en sorprendente armonía.

Los objetos de la mesa constituyen, como tantas veces en Vermeer, una auténtica naturaleza muerta, donde el pintor hace gala de su excelente técnica para la plasmación de lo sencillo, consiguiendo resultados vivos y limpios.

La Gioconda

                     LA GIOCONDA



Mona Lisa, by Leonardo da Vinci, from C2RMF retouched.jpg





El Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo,1 más conocido como La Gioconda (La Joconde en francés), también conocida como La Mona Lisa, es una obra pictórica del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se exhibe en el Museo del Louvre de París.
Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano), deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,2 y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima.3 Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.



Pieter Paul Rubens

Pieter Paul Rubens





(Siegen, actual Alemania, 1577-Amberes, actual Bélgica, 1640) Pintor flamenco. Fue la gran figura del Barroco en la Europa septentrional. Las fuentes lo recuerdan como un gran humanista, un idealista clarividente, hombre reservado y honesto que despreció la actitud arrogante de los poderosos. Tuvo más influencia que Rembrandt a pesar de que a su pintura grandilocuente le falta algo de sinceridad.
En razón de las creencias religiosas de su padre, un abogado calvinista, pasó su primera infancia en Siegen y Colonia. En 1587, la muerte de su progenitor le permitió desplazarse a Amberes, donde estudió pintura con tres artistas poco conocidos; uno de ellos, Otto Vaenius, le indujo a realizar el tradicional viaje a Italia, que resultó decisivo para la formación del artista.

A lo largo de ocho años (1600-1608), recorrió los principales centros artísticos italianos y copió obras maestras para la colección de su mentor, el duque de Mantua. Durante el período italiano produjo sus primeras obras (La exaltación de la cruzEl bautismo de Cristo), muy influidas todavía por la pintura italiana y alejadas de su estilo de madurez. Lo más relevante de esta época es seguramente la serie de retratos aristocráticos que pintó en Génova.
Después de un viaje a España, adonde fue enviado por el duque de Mantua para llevarle unos presentes a Felipe III y donde realizó algunas obras, en 1608 regresó a Amberes debido a una grave enfermedad de su madre y se estableció definitivamente en esta ciudad, que sólo abandonó más adelante para la ejecución de encargos concretos. Abrió en Amberes una casa-taller en la que, con la colaboración de numerosos ayudantes especializados, ejecutó gran número de obras en respuesta a la multitud de encargos que recibía.
En las realizaciones de los años 1601-1614 (Adoración de los MagosAnunciaciónEl descendimiento de la cruz), la personalidad artística de Rubens aparece ya definitivamente formada: grandiosidad y sentido dramático, dinamismo intenso, pasión por el dibujo. Paulatinamente, los intereses del artista se amplían y añade el género mitológico al religioso, así como el paisaje y el género costumbrista. Mitológicas son, de hecho, algunas de sus obras más conocidas, como Las tres Gracias, el Rapto de las hijas de Leucipo o Diana y las ninfas, en las que resulta evidente la inclinación del artista hacia las musculaturas poderosas, las carnes sonrosadas y exuberantes y las tonalidades claras y alegres.

El rapto de las hijas de Leucipo (1618)
La venus del espejo (1615)
Por otra parte, revalorizó el cuadro de caza y de batallas, un género muy adecuado a su preferencia por el dinamismo y las composiciones complejas, y sobresalió también como creador de escenas costumbristas (El jardín del amor) y de cartones para tapices, con grandes ciclos como la Historia de Aquiles y el Triunfo de la Eucaristía.
A partir de 1620 recibió importantes encargos de varias cortes europeas, entre ellos el de la historia de María de Médicis para el palacio del Luxemburgo de París y la decoración del salón de banquetes (banquetinghouse) del palacio de Whitehall, en Londres. En estas obras destinadas a la decoración de amplios ambientes, el genio pudo dar rienda suelta a su sentido monumental y decorativo de la pintura a través de enormes frescos cargados de figuras y de motivos ornamentales, en los cuales la composición se basa en grandes líneas diagonales que añaden, si cabe, mayor sensación de movimiento al conjunto.
En su faceta de retratista, Rubens se inclinó por la idealización de los rostros y la magnificencia de las actitudes; además de personajes importantes, retrató en obras encantadoras a sus dos esposas, Isabel Brandt y Helena Fourment; la primera murió en 1626 y cuatro años más tarde, en 1630, Rubens contrajo matrimonio con la segunda, una hermosa joven a la sazón de dieciséis años, a quien conocía desde niña.



LEONARDO DA VINCI

                         LEONARDO DA  VINCI.



Leonardo Da Vinci, nace como Leonardo de Ser Piero en Anchiano da Vinci (La Toscana), el 15 de abril de 1452. Hijo natural de un notario originario de Florencia (Toscana) y de una campesina del pueblo de Vinci. Su infancia la pasó en Vinci hasta que en 1469 viaja a Florencia para trabajar en el taller de Verrochio como aprendiz. Aprendió rápido las técnicas del dibujo y la pintura, hasta que en 1472 ingresa en la asociación de pintores de la ciudad de los Medicis. Pronto comenzará a pintar retratos religiosos. Diez años después, Leonardo abandona Florencia para vivir en Milán junto a Ludovico Sforza, miembro de una poderosa familia del norte de Italia, señores de aquellas tierras. En 1486 comienza a investigar al hombre, como ser humano, su anatomía, su organismo y el porque de sus movimientos. Hasta el año anterior, Leonardo solo realizaba obras religiosas, típicas de la época. Pero poco a poco el haber estado en Milán, el haber presenciado guerras en la zona de la Liguria y Milán con los señores feudales del Piamonte, hace entender a Leonardo que el hombre es más complejo y al tiempo tan frágil que su cabeza comienza a trabajar en el descubrimiento de la anatomía humana.

En 1492 inventa la máquina de volar; entonces Leonardo contaba con 40 años de edad. Al tiempo sigue trabajando para los Sforza de Milán, como retratos personales de algunos de sus miembros, como Francesco Sforza en 1493. Trabajaba tanto en la ingeniería, como en la anatomía como en la pintura religiosa. Tan famoso llegaron a ser sus máquinas que el mismo Cesar Borgia le llamó a Roma para que se convirtiera en su ingeniero militar.

Los primeros mapas topográficos son realizados por Da Vinci cuando trabajaba para Cesar Borgia y presencia campañas militares. Tras la batalla de Anghiari, Leonardo regresa a la pintura, pero se decanta por las cortesanas y dibuja a una de ellas, así nace una de sus pinturas más famosas, tal vez la más, “La Mona Lisa” hacia 1504. Por entonces Leonardo quiere abandonar las campañas militares y se concentra nuevamente en crear máquinas para su propio esplendor y comienza a estudiar los elementos naturales del agua, el fuego y el aire, entre 1506 y 1508. Vuelve a dibujar escenas religiosas y nuevamente vuelve a pintar a santas, siempre mujeres. Hay quien dice que aunque nunca se casó ni tuvo hijos, pudiera ser por que fuera homosexual. Historiadores, algunos polémicos, designan que hubo un capitulo de un joven toscano que denunció a un grupo de hombres jóvenes por intentar aprovecharse sexualmente de él. Entre ese grupo de hombres, se encontraba Leonardo y que por ello pasara unas dos noches en la cárcel. Leonardo Da Vinci nunca escribió sobre ello y si ocurrió, el tiempo hizo que se olvidara de la memoria de aquella gente que presuntamente lo vivió.



Concentrado en el estudio de la Biblia, empezó a desarrollar un especial sentido por destacar la figura de la mujer en muchas de sus obras pictóricas. Tal vez, viendo la figura de Maria Magdalena viera en muchas santas parte de aquella Maria Magdalena, pero….¿Hasta dónde?

La anatomía femenina siempre le atrajo, sobre todo en el momento de dar a luz a otro humano. También se obsesionó con conocer mejor la anatomía de las mujeres, las únicas que podrían reproducirse, un ser que para Leonardo llegó a destacar como ser superior, algo que el hombre no podía hacer, dar vida a otro ser humano.

Francisco I de Francia llamó a Da Vinci en 1516 para diseñar y construir un palacio real en la ciudad de Amboise. No tardaría Da Vinci en contentar al rey francés y empezar a construirlo en 1517, permaneciendo en Amboise hasta la fecha de su muerte, que sucedió el día 2 de mayo de 1519.

En su vida fue acusado por la Iglesia como alquimista, hereje y ocultista; pero al final siempre era liberado de las acusaciones. La Iglesia no aceptaba estos tres elementos de ninguna manera. Dicen incluso que su pasión por la alquimia hizo que sus símbolos fueran escondidos tras sus obras pictóricas y no ser hallados por los hombres de la Santa Fe.

Para Leonardo, el alma humana era la quinta esencia que junto al fuego, el agua, el aire y la tierra, completaba la vida y la separaba de la muerte.


                                                           LA ULTIMA  CENA:



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Leonardo dibujó y pintó “La última cena” de Cristo según el patrón de la iglesia y la Biblia.

La figura a la izquierda de Cristo en esta imagen, aparece una mujer. ¿Por qué dibujo Leonardo junto a Cristo esta imagen? La respuesta la dejaremos a los estudiosos.

Sabemos que Leonardo la compuso por petición de su protector, Ludovico Sforza que vivía en Milán, duque de esta potencia del norte de Italia, en los últimos años del siglo XV. Vemos en la representación de la Última Cena de Cristo en Miércoles Santo, un día antes de ser juzgado y luego crucificado. Reunido por sus doce apóstoles, aunque aparece a la derecha del hijo de Dios, pintada una mujer de largos cabellos dorados. La actitud de Jesús, en el momento de anunciar que ha sido vendido, traicionado por uno de sus apóstoles. Parece ser que por las caras de los discípulos, que la noticia se acababa de anunciar, ya que están todos comentándolo entre ellos. Algunos de los seguidores y estudiosos de la obra de Leonardo Da Vinci, dijeron que uno de los rostros pintados que sale en dicha escena, es la suya propio, la del pintor, que al parecer, no quiso dejar pasar la ocasión de retratarse como uno de los seguidores de Cristo.

Este fresco pintado en óleo sobre yeso en gran dimensión (4.60 mts x 880 mts), Leonardo quiso dar testimonio de esta parte del evangelio tan importante para el cristianismo. Esta obra estuvo en el comedor del convento de frailes dominicos de Santa Maria de la Gracia en la ciudad de Milán. Algunos estudiosos lo colocan entre 1494 y 1504, por lo que tardaría en realizarlo unos diez años. Aunque otros lo colocarían entre 1488 y 1498.

Durante mucho tiempo y a lo largo de los tiempos, esta obra pictórica del gran Leonardo fue deteriorándose considerablemente por varios motivos, como la humedad, el deterioro del lugar, como en la época de las guerras mundiales acaecidas en Europa. En 1977 se logra sacar la obra y llevarla a una sala de restauración, primero para su limpieza y posteriormente para poder restaurarla debidamente.

                                            LAS  5 OBRAS MAS  IMPORTANTES  DE DA  VINCI.

La Mona Lisa:


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LA ÚLTIMA  CENA:

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Hombre de Vitruvio:

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'La virgen de las rocas:

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SALAI:

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